Původy a školy abstraktního umění

Abstraktní umění (někdy nazývané netobjektivní umění) je obraz nebo socha, která nezobrazuje člověka, místo ani věc v přirozeném světě. S abstraktním uměním je předmětem práce to, co vidíte: barva, tvary, tahy štětcem, velikost, měřítko a v některých případech i samotný proces, jako v akční malba.

Abstraktní umělci usilují o to, aby nebyli objektivní a nereprezentativní, což divákovi umožní interpretovat význam jednotlivých děl vlastním způsobem. Abstraktní umění tedy není přehnaným nebo zkresleným pohledem na svět, jak to vidíme v kubistických obrazech Paula Cézanna (1839–1906) a Pablo Picasso (1881–1973), protože představují určitý druh konceptuálního realismu. Místo toho se forma a barva stávají ohniskem a předmětem díla.

Zatímco někteří lidé mohou argumentovat, že abstraktní umění nevyžaduje technické dovednosti reprezentačního umění, jiní by se chtěli lišit. Stal se skutečně jednou z hlavních debat v moderním umění. Jako ruský abstraktní umělec Vasily Kandinsky (1866–1944):

„Ze všech umění je nejobtížnější abstraktní malba. Vyžaduje to, abyste věděli, jak dobře kreslit, abyste měli zvýšenou citlivost na složení a barvy a abyste byli skutečným básníkem. Toto poslední je zásadní. “

instagram viewer

Historici umění obvykle označují začátek 20. století za důležitý historický moment v historii abstraktního umění. Během této doby se umělci snažili vytvořit to, co definovali jako „čisté umění“: kreativní díla, která nebyla založena na vizuálním vnímání, ale na představivosti umělce. Mezi vlivná díla z tohoto období patří Kandinského 1911 „Obrázek s kruhem“ a „Caoutchouc“ vytvořený francouzským avantgardním umělcem Francisem Picabiam (1879–1953) v roce 1909.

Kořeny abstraktního umění však lze vystopovat mnohem dále. Umělci spojené s hnutími, jako jsou 19. století Impresionismus a expresionismus experimentovali s myšlenkou, že malba dokáže zachytit emoce a subjektivitu. Nemusí se jednoduše soustředit na zdánlivě objektivní vizuální vnímání. Vrátíme-li se ještě dále, mnoho starověkých skalních obrazů, textilních vzorů a návrhů keramiky zachytilo spíše symbolickou realitu než se pokoušet prezentovat objekty, jak je vidíme.

Kandinsky je často považován za jednoho z nejvlivnějších abstraktních umělců. Pohled na to, jak jeho styl prošel v průběhu let z reprezentativního do čistě abstraktního umění, je fascinujícím pohledem na hnutí obecně. Sám Kandinskij byl obeznámen s vysvětlením, jak může abstraktní umělec použít barvu k tomu, aby poskytl zdánlivě nesmyslný pracovní účel.

Kandinsky věřil, že barvy vyvolávají emoce. Červená byla živá a sebevědomá; zelená byla mírumilovná s vnitřní silou; modrá byla hluboká a nadpřirozená; žlutá by mohla být teplá, vzrušující, rušivá nebo úplně bonkers; a bílá vypadala potichu, ale plná možností. Také přiřadil tóny nástrojů, aby šel s každou barvou. Červená zněla jako trubka; zelená zněla jako housle střední pozice; světle modrá zněla jako flétna; tmavě modrá zněla jako violoncello, žlutá zněla jako fanfár trubek; bílá zněla jako pauza v harmonické melodii.

Tyto analogie zvuků pocházely z Kandinského ocenění hudby, zejména z děl současného vídeňského skladatele Arnolda Schoenberga (1874–1951). Kandinského tituly často odkazují na barvy ve skladbě nebo na hudbu, například, "Improvisation 28" a "Composition II."

Francouzský umělec Robert Delaunay (1885–1941) patřil k Kandinského Modrému jezdci (Die Blaue Reiter). Se svou ženou, Ruskou narozenou Sonií Delaunay-Turkovou (1885–1979), se oba přitahovali k abstrakci ve svém vlastním hnutí, Orphism nebo Orphic Cubism.

Dnes je „abstraktní umění“ často zastřešujícím termínem, který zahrnuje širokou škálu stylů a uměleckých pohybů. Patří mezi ně nereprezentativní umění, netobjektivní umění, abstraktní expresionismus, umění informel (forma gestického umění), a dokonce i některé op art (optické umění, odkazující na umění, které využívá optické iluze). Abstraktní umění může být gestické, geometrické, tekuté nebo obrazové - naznačující věci, které nejsou vizuální, jako jsou emoce, zvuk nebo spiritualita.

I když máme sklon spojovat abstraktní umění s malbou a sochou, může se vztahovat na jakékoli vizuální médium, včetně shromáždění a fotografie. Přesto jsou to malíři, kteří v tomto hnutí získají největší pozornost. Existuje mnoho významných umělců, kteří představují různé přístupy k abstraktnímu umění a měli na moderní umění značný vliv.

• Carlo Carrà (1881–1966) byl italský malíř nejlépe známý pro svou práci v futurismu, což je forma abstraktního umění, která zdůrazňovala energii a rychle se měnící technologii počátku 20. století. Přes svou kariéru on pracoval v kubismu stejně tak a mnoho z jeho obrazů byly abstrakce reality. Jeho manifest, “Malování zvuků, hluků a pachů” (1913) ovlivnil mnoho abstraktních umělců. Vysvětluje to jeho fascinaci synaestézií, smyslovým crossoverem, ve kterém například člověk „voní“ barvou, která je jádrem mnoha abstraktních uměleckých děl.
• Umberto Boccioni (1882–1916) byl dalším italským futuristem, který se soustředil na geometrické tvary a byl silně ovlivněn kubismem. Jeho práce často líčí fyzický pohyb, jak je vidět v “Stavy mysli” (1911). Tato série tří obrazů zachycuje spíše pohyb a emoce vlakového nádraží než fyzické zobrazení cestujících a vlaků.
• Kazimir Malevich (1878–1935) byl ruský malíř, kterého mnozí popisují jako průkopníka geometrického abstraktního umění. Jedním z jeho nejznámějších děl je "Černý čtverec" (1915). Pro historiky umění je to zjednodušující, ale absolutně fascinující, protože, jak uvádí analýza Tate, „Je to poprvé, co někdo udělal obraz, který z něčeho nebyl.“
• Jackson Pollock (1912–1956), americký malíř, je často uváděn jako ideální reprezentace Abstraktní expresionismus, nebo akční malba. Jeho práce je více než kapky a stříkance barvy na plátně, ale plně gestická a rytmická a často využívaná velmi netradičními technikami. Například, “Full Fathom Five” (1947) je olej na plátně vytvořený zčásti pomocí cvočků, mincí, cigaret a mnohem více. Některé jeho práce, jako je “Bylo jich tam sedm v osmi” (1945) jsou obrovské a rozprostírají se přes osm stop na šířku.
• Mark Rothko (1903–1970) posunul geometrické souhrny Maleviče na novou úroveň modernismu s malbou barevného pole. Tento americký malíř se ve 40. letech 20. století rozrostl a zjednodušil barvu na téma samo o sobě a předefinoval abstraktní umění pro další generaci. Jeho obrazy, jako je “Čtyři Darks v červeném” (1958) a “Oranžový, červený, a žlutý” (1961), jsou stejně pozoruhodné svým stylem, jako jejich velikostí.