54 slavných obrazů od slavných umělců

Být slavným umělcem během svého života není zárukou, že si vás ostatní umělci budou pamatovat. Slyšeli jste o francouzském malíři Ernestovi Meissonierovi?

Byl současníkem Edouarda Maneta a zdaleka úspěšnějšího umělce v oblasti ohlasu u kritiků a prodeje. Opak je pravdou také u Vincenta van Gogha. Van Gogh se spoléhal na svého bratra Thea, který mu poskytl barvy a plátna, ale dnes jeho obrazy přinášejí rekordní ceny, kdykoli se objeví na aukci umění, a je to jméno domácnosti.

Pohled na slavné malby z minulosti i současnosti vás může naučit mnoha věcem, včetně složení a zacházení s barvou. Pravděpodobně nejdůležitější lekcí je, že byste měli nakonec malovat sami pro sebe, ne pro trh nebo potomky.

„Noční hlídka“ - Rembrandt

Obraz "Noční hlídka" od Rembrandt je v Rijksmuseum v Amsterdamu. Jak ukazuje fotografie, je to obrovský obraz: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt dokončil to v roce 1642. Jeho skutečný název je „The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch“, ale je lépe známý jako

Složení obrazu bylo pro dané období velmi odlišné. Místo toho, aby ukazoval postavy úhledným a uspořádaným způsobem, kde všichni dostali stejnou důležitost a prostor na plátně, Rembrandt je namaloval jako rušnou skupinu v akci.

Kolem roku 1715 byl na „Noční hlídku“ namalován štít, který obsahoval jména 18 lidí, ale pouze některá jména byla někdy identifikována. (Pamatujte tedy, že když namalujete skupinový portrét: nakreslete si vzadu diagram, abyste mohli jít se jmény všech tak budoucích generace budou vědět!) V březnu 2009 nizozemský historik Bas Dudok van Heel konečně rozluštil záhadu, kdo je kdo v malování. Jeho výzkum dokonce našel oděvy a doplňky zobrazené v „Noční hlídce“ zmíněné v seznamech rodinné statky, které pak shromáždil s věkem různých milicionářů v roce 1642, v roce, kdy byl obraz dokončeno.

Dudok van Heel také zjistil, že v hale, kde byla poprvé zavěšena Rembrandtova „Noční hlídka“, bylo šest skupin portréty milice původně zobrazené v souvislé sérii, nikoli šest samostatných obrazů, jak tomu bylo dlouho myslel. Spíše šest skupinových portrétů Rembrandta, Pickenoye, Bakkera, Van der Helsta, Van Sandrarta a Flincka vytvořilo nepřerušovaný vlys, který každý odpovídal druhému, a upevněný v dřevěném obložení místnosti. Nebo to byl záměr. Rembrandtova „Noční hlídka“ se nehodí k ostatním obrazům v kompozici ani barvě. Zdá se, že Rembrandt nedodržel podmínky své provize. Ale pak, kdyby měl, nikdy bychom neměli tento překvapivě odlišný skupinový portrét ze 17. století.

„Zajíc“ - Albrecht Dürer

Běžně označovaný jako Dürerův králík, oficiální název tohoto obrazu jej nazývá zajíc. Obraz je ve stálé sbírce Batliner Collection z Albertina Museum ve Vídni v Rakousku.

Maloval se pomocí akvarelu a kvašu, přičemž bílé zvýraznění bylo provedeno kvašem (spíše než nelakovanou bílou barvou papíru).

Je to velkolepý příklad toho, jak lze malovat kožešiny. Abychom to napodobili, přístup, který zvolíte, závisí na tom, kolik trpělivosti máte. Pokud máte pudly, budete malovat tenkým štětcem, jeden po druhém. V opačném případě použijte techniku ​​suchého kartáče nebo rozdělte chloupky na kartáč. Trpělivost a vytrvalost jsou zásadní. Pracujte příliš rychle na mokré barvy a jednotlivé tahy riskují, že se promíchají. Nepokračujte dostatečně dlouho a srst se vám bude jevit jako nit.

Freska ze Sixtinské kaple - Michelangelo

Obraz Michelangela ze stropu Sixtinské kaple je jednou z nejznámějších fresek na světě.

Sixtinská kaple je velká kaple v Apoštolském paláci, oficiálním sídle papeže (vůdce katolické církve) ve Vatikánu. Má mnoho fresek namalovaných některými z největších jmen renesance, včetně nástěnných fresek od Berniniho a Raphaela, přesto je nejznámější freskami na stropě od Michelangela.

Michelangelo se narodil 6. března 1475 a zemřel 18. února 1564. Na objednávku papeže Julia II. Pracoval Michelangelostrop Sixtinské kaple od května 1508 do října 1512 (od září 1510 do srpna 1511 se nepracovalo). Kaple byla slavnostně otevřena 1. listopadu 1512, na svátek Všech svatých.

Kaple je 40,23 metrů dlouhá, 13,40 metrů široká a strop 20,70 metrů nad zemí v nejvyšším bodě¹. Michelangelo namaloval řadu biblických scén, proroků a Kristových předků, stejně jako trompe l'oeil nebo architektonické prvky. Hlavní oblast stropu zobrazuje příběhy z příběhů knihy Genesis, včetně stvoření lidstva, pádu člověka z milosti, potopy a Noaha.

Strop Sixtinské kaple: Detail

Panel zobrazující stvoření člověka je pravděpodobně nejznámější scénou ve slavné fresce od Michelangela na stropě Sixtinské kaple.

Sixtinská kaple ve Vatikánu má namalovaných mnoho fresek, přesto je nejznámější freskami na stropě od Michelangela. V letech 1980 až 1994 byla provedena rozsáhlá obnova vatikánskými odborníky na umění, která odstranila kouř ze svíček po staletí a předchozí restaurátorské práce. To odhalilo barvy mnohem jasnější, než se dříve myslelo.

Použité pigmenty, které Michelangelo použil, zahrnovaly okr pro červené a žluté, železné silikáty pro zelené, lapis lazuli pro modré a dřevěné uhlí pro černé.¹ Ne všechno je namalováno tak podrobně, jak se na první pohled zdá. Například postavy v popředí jsou malovány podrobněji než ty v pozadí, což zvyšuje pocit hloubky ve stropě.

Více o Sixtinské kapli:

• Vatikánská muzea: Sixtinská kaple
• Virtuální prohlídka Sixtinské kaple

Zdroje:
1 Vatikánská muzea: Sixtinská kaple, webová stránka Vatikánského městského státu, přístupná 9. září 2010.

Notebook Leonardo da Vinci

Renesanční umělec Leonardo da Vinci je známý nejen svými malbami, ale také poznámkovými bloky. Tato fotografie ukazuje jeden v muzeu V&A v Londýně.

Muzeum V&A v Londýně má ve své sbírce pět notebooků Leonarda da Vinciho. Ten, známý jako Codex Forster III, používal Leonardo da Vinci v letech 1490 až 1493, když pracoval v Miláně pro vévodu Ludovica Sforzu.

Je to malý notebook, velikosti takové velikosti, kterou byste snadno mohli mít v kapse kabátu. Je plný nejrůznějších nápadů, poznámek a náčrtů, včetně „náčrtků koňských nohou, kreseb klobouky a oblečení, které mohly být nápady na kostýmy na plesech, a popis anatomie člověka hlava."¹ I když nemůžete obracet stránky notebooku v muzeu, můžete v něm listovat online.

Čtení jeho rukopisu není snadné, mezi kaligrafickým stylem a jeho použitím zrcadlového psaní (dozadu, zprava doleva), ale některým připadá fascinující vidět, jak vše spojuje do jednoho notebook. Je to funkční notebook, ne ukázka. Pokud jste se někdy obávali, že vaše kreativní deník nebyl nějak správně proveden nebo organizován, vezměte si vedení od tohoto pána: udělejte to, jak potřebujete.

<sub>Zdroj:
1. Prozkoumejte kodexy Forster, muzeum V&A. (Zpřístupněno 8. srpna 2010.)</sub>

„Mona Lisa“ - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciObraz "Mona Lisa" v pařížském Louvru je pravděpodobně nejslavnějším obrazem na světě. Je to pravděpodobně také nejznámější příklad sfumato, malířská technika částečně zodpovědná za její záhadný úsměv.

Spekulovalo se o tom, kdo byla ta žena na obraze. Považuje se to za portrét Lisy Gherardini, manželky florentského obchodníka s látkami jménem Francesco del Giocondo. (Umělecký spisovatel 16. století Vasari to ve svém „Životu umělců“ navrhl jako první.) Bylo také navrženo, že důvodem jejího úsměvu bylo, že byla těhotná.

Historici umění to vědí Leonardo zahájil „Monu Lisu“ do roku 1503, protože o tom v tom roce pořídil vysoký florentský úředník Agostino Vespucci. Když skončil, je to méně jisté. Louvre původně datoval obraz do 1503-06, ale objevy provedené v roce 2012 naznačují, že to mohlo být až o deset let později, než bylo dokončeno na základě pozadí založeného na kresbě hornin, o nichž je známo, že to udělal 1510-15.¹ Louvre změnil data na 1503-19 v březnu 2012.

Zdroj:
1. Mona Lisa mohla být dokončena o deset let později, než se myslelo v The Art Newspaper, autor Martin Bailey, 7. března 2012 (přístup 10. března 2012)

Slavní malíři: Monet v Giverny

Referenční fotografie pro malbu: Monetova „Zahrada v Giverny“.

Jedním z důvodů, proč je impresionistický malíř Claude Monet tak známý, jsou jeho obrazy odrazů v liliových rybnících, které vytvořil ve své velké zahradě v Giverny. Inspirovalo ho to po mnoho let, až do konce jeho života. Načrtával nápady na obrazy inspirované rybníky a vytvářel malé i velké obrazy jako samostatná díla i jako série.

Podpis Clauda Moneta

Tento příklad toho, jak Monet podepsal své obrazy, je z jednoho z jeho obrazů leknínů. Můžete vidět, že to podepsal jménem a příjmením (Claude Monet) a rokem (1904). Je to v pravém dolním rohu, dostatečně daleko, aby to nebylo odříznuto rámem.

Celé jméno Moneta bylo Claude Oscar Monet.

„Impression Sunrise“ - Monet

Tento obraz od Moneta pojmenoval impresionistický styl umění. Vystavoval jej v roce 1874 v Paříži na první impresionistické výstavě.

Ve své recenzi na výstavu nazvanou „Výstava impresionistů“ uvedl kritik umění Louis Leroy:

"Tapeta v embryonálním stavu je dokončenější než ta krajina."

<sub>Zdroj:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" Louis Leroy, Le Charivari, 25. dubna 1874, Paříž. Přeložil John Rewald v Dějiny impresionismu, Moma, 1946, str. 256-61; citováno v Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History od Bruce Altshulera, Phaidon, p42-43.</sub>

Série „stohy sena“ - Monet

Monet často maloval série stejných témat, aby zachytil měnící se efekty světla a vyměňoval plátna, jak den postupoval.

Monet maloval mnoho témat znovu a znovu, ale každý z jeho sériových obrazů je jiný, ať už je to obraz leknínu nebo kupce sena. Vzhledem k tomu, že Monetovy obrazy jsou roztroušeny ve sbírkách po celém světě, je jeho série obrazů vnímána jako skupina pouze na zvláštních výstavách. Naštěstí Institut umění v Chicagu má ve své sbírce několik Monetových obrazů sena, protože jsou působivé prohlížení společně:

• Hromada pšenice
• Rozmrazit, západ slunce
• Západ slunce, efekt sněhu
• Efekt sněhu, zatažený den
• Konec léta

V říjnu 1890 Monet napsal dopis uměleckému kritikovi Gustavovi Geffroyovi o sérii kup sena, kterou maloval, a uvedl:

„Jsem na tom tvrdě a tvrdohlavě pracuji na řadě různých efektů, ale v tomto ročním období zapadá slunce tak rychle, že je nemožné s ním držet krok... čím dále se dostávám, tím víc vidím, že je třeba udělat hodně práce, aby bylo možné poskytnout to, co hledám: „okamžitost“, především „obálka“, stejné světlo se šíří po všem... Stále více jsem posedlý potřebou poskytnout to, co prožívám, a modlím se, aby mi ještě pár dobrých let zbývalo, protože si myslím, že v tomto směru můžu udělat nějaký pokrok... “ ¹

<sup>Zdroj: ​
1. Monet sám, str. 172, editoval Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.</sup>

"Lekníny" - Claude Monet

Claude Monet„Lekníny“ c. 19140-17, olej na plátně. Velikost 65 3/8 x 56 palců (166,1 x 142,2 cm). Ve sbírce Muzea výtvarného umění v San Francisku.

Monet je možná nejslavnějším z impresionistů, zejména pro své obrazy odrazů v liliovém jezírku v jeho Givernyho zahradě. Tato konkrétní malba ukazuje malý oblak v pravém horním rohu a strakaté modré nebe se odráží ve vodě.

Pokud studujete fotografie Monetovy zahrady, jako je tento Monetův leknín a tento květ lilie, a porovnáváte je s tímto obrazem, budete získejte představu o tom, jak Monet snížil detaily ve svém umění, včetně pouze podstaty scény nebo dojmu odrazu, vody a lilie květ. Kliknutím na odkaz „Zobrazit v plné velikosti“ pod výše uvedenou fotografií zobrazíte větší verzi, ve které bude snazší získat cit pro Monetův rukopis.

Francouzský básník Paul Claudel řekl:

„Díky vodě se [Monet] stal malířem toho, co nevidíme. Oslovuje ten neviditelný duchovní povrch, který odděluje světlo od odrazu. Vzdušný azurový zajatec tekutého azurového... Barva stoupá ze dna vody v mracích, ve vířivkách. “

^Zdroj:
Strana 262 Umění našeho století, Jean-Louis Ferrier a Yann Le Pichon

Podpis Camille Pissarro

Malíř Camille Pissarro má tendenci být méně známý než mnoho jeho současníků (například Monet), ale má jedinečné místo v časové ose umění. Působil jako impresionista i neoimpresionista a ovlivňoval dnes již známé umělce jako Cézanne, Van Gogh a Gauguin. Byl jediným umělcem, který vystavoval na všech osmi Impresionistické výstavy v Paříži od roku 1874 do roku 1886.

Van Gogh Autoportrét (1886/1887)

Tento portrét podle Vincent van Gogh je ve sbírce Art Institute of Chicago. Byl namalován stylem podobným pointilismu, ale nedrží se striktně pouze teček.

Za dva roky, které žil v Paříži, od roku 1886 do roku 1888, namaloval Van Gogh 24 autoportrétů. Institut umění v Chicagu popsal tento postup jako použití „bodové techniky“ Seurata ne jako vědeckou metodu, ale „intenzivní emocionální jazyk „ve kterém“ jsou červené a zelené tečky rušivé a zcela v souladu s nervovým napětím patrným u van Gogha pohled. “

V dopise o několik let později své sestře Wilhelmině napsal Van Gogh:

„V poslední době jsem namaloval dva své obrázky, z nichž jeden má podle mě spíše skutečný charakter, i když v Holandsku by se pravděpodobně vysmívali myšlenkám na portrétní malbu, které klíčí tady... Vždy si myslím, že fotografie jsou ohavné, a nerad je mám kolem sebe, zvláště ne u osob, které znám a miluji... fotografické portréty chřadnou mnohem dříve než my sami, zatímco malovaný portrét je věc, kterou lze pociťovat, a to s láskou nebo úctou k zobrazené osobě. “

Zdroj:
Dopis Wilhelmině van Goghové, 19. září 1889

Podpis Vincenta van Gogha

Noční kavárna autor Van Gogh je nyní ve sbírce Yale University Art Gallery. Je známo, že Van Gogh podepsal pouze ty obrazy, se kterými byl obzvláště spokojen, ale neobvyklé je v případě tohoto obrazu, že pod svůj podpis přidal název „Le café de Nuit“.
Všimněte si, že Van Gogh podepsal své obrazy jednoduše „Vincent“, ne „Vincent van Gogh“ ani „Van Gogh“.

V dopise svému bratrovi Theovi ze dne 24. března 1888 uvedl:

„V budoucnu by mé jméno mělo být vloženo do katalogu, když ho podepíšu na plátně, jmenovitě Vincent, a ne Van Gogh, z toho prostého důvodu, že zde neví, jak se toto druhé jméno vyslovuje.“

„Tady“ je Arles na jihu Francie.
Pokud jste se divili, jak se vyslovuje Van Gogh, pamatujte, že je to nizozemské příjmení, ne francouzské nebo anglické. „Gogh“ je tedy vyslovován, takže se rýmuje se skotským „loch“. Není to „goff“ ani „go“.

Hvězdná noc - Vincent van Gogh

Tento obraz, který je pravděpodobně nejslavnějším obrazem Vincenta van Gogha, je ve sbírce na Muzeum moderního umění v New Yorku.
Van Gogh maloval Hvězdná noc v červnu 1889 poté, co jsem zmínil ranní hvězdu v dopise svému bratrovi Theovi, napsaného kolem 2. června 1889: „Dnes ráno jsem viděl zemi z mého okna dlouho před východem slunce, s ničím jiným než s ranní hvězdou, která vypadala velmi velká. “Ranní hvězda (ve skutečnosti planeta Venuše, ne hvězda) se obecně považuje za velkou bílou namalovanou těsně vlevo od středu obrazu.
Dřívější dopisy Van Gogha zmiňují také hvězdy a noční oblohu a jeho touhu je malovat:

1. „Kdy se někdy dostanu k hvězdné obloze, na ten obrázek, který mám vždy na mysli?“ (Dopis Emile Bernardovi, c. 18. června 1888)
2. „Pokud jde o hvězdnou oblohu, stále doufám, že ji namaluji, a možná jednoho z těchto dnů budu“ (Dopis Theovi van Goghovi, 26. září 1888).
3. „V současné době naprosto chci malovat hvězdnou oblohu. Často se mi zdá, že noc je stále bohatší než den; s odstíny nejintenzivnějších fialek, blues a zelených. Pokud tomu jen věnujete pozornost, uvidíte, že některé hvězdy jsou citronově žluté, jiné růžové nebo zelené, modré a brilantní pomněnka... je zřejmé, že uvedení malých bílých teček na modro-černé nestačí k vymalování hvězdné oblohy. “(Dopis Wilhelmině van Goghovi, 16. září 1888)

Restaurant de la Sirene, v Asniere - Vincent van Gogh

Tento obraz od Vincenta van Gogha je ve sbírce Ashmolean Museum v Oxfordu ve Velké Británii. Van Gogh to namaloval krátce poté, co přijel do Paříže v roce 1887, aby žil se svým bratrem Theem na Montmartru, kde Theo řídil uměleckou galerii.
Poprvé byl Vincent vystaven obrazům impresionistů (zejména Moneta) a setkal se s umělci jako např Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard a Pissarro. Ve srovnání s jeho předchozí prací, v níž dominovaly temné zemské tóny typické pro severoevropské malíře, jako je Rembrandt, ukazuje tento obraz vliv těchto umělců na něj.
Barvy, které použil, se zesvětlily a rozjasnily a jeho rukopis se stal volnějším a zřetelnějším. Podívejte se na tyto detaily z malby a uvidíte, jak použil malé tahy čisté barvy, oddělené. Nesměšuje barvy na plátně, ale umožňuje, aby se to stalo v očích diváka. Zkouší to rozbitá barva přístup impresionistů.
Ve srovnání s jeho pozdějšími malbami jsou pruhy barev od sebe vzdáleny a mezi nimi je neutrální pozadí. Zatím nepokrývá celé plátno nasycenou barvou, ani nevyužívá možnosti použití štětců k vytvoření textury v samotné barvě.

The Restaurant de la Sirene, at Asnieres od Vincenta van Gogha (Detail)

Tyto podrobnosti z Van Goghova obrazu Restaurace de la Sirene v Asniere (ve sbírce Ashmoleanského muzea) ukazují, jak po vystavení obrazům impresionistů a dalších současných Pařížanů experimentoval se svými rukopisy a štětci umělci.

„Čtyři tanečníci“ - Edgar Degas

Edgar Degas, Čtyři tanečníci, c. 1899. Olej na plátně. Velikost 151,1 x 180,2 cm. V Národní galerie umění, Washington.

„Portrét matky umělce“ - Whistler

Toto je pravděpodobně Whistlerův nejslavnější obraz. Celý jeho název je „Uspořádání v šedé a černé barvě č. 1, Portrét matky umělce“. Jeho matka souhlasila s pózováním pro obraz, když model Whistler, který používal, onemocněl. Zpočátku ji požádal, aby pózovala ve stoje, ale jak vidíte, vzdal se a nechal ji sednout si.
Na zdi je lept od Whistlera, „Black Lion Wharf“. Pokud se velmi opatrně podíváte na závěs vlevo nahoře na rámu leptu uvidíte světlejší šmouhu, to je symbol motýla, který Whistler použil k podpisu svých obrazů. Symbol nebyl vždy stejný, ale změnil se a jeho tvar se používá k datování jeho uměleckých děl. Je známo, že ji začal používat od roku 1869.

„Hope II“ - Gustav Klimt

„Kdokoli o mně chce něco vědět - jako umělec, jediná pozoruhodná věc - by se měl pečlivě podívat na mé obrázky a pokusit se na nich vidět, co jsem a co chci dělat.“ Klimt.

Gustav Klimt maloval Naděje II na plátně v 1907/8 s použitím olejových barev, zlata a platiny. Má velikost 43,5 x 43,5 palce (110,5 x 110,5 cm). Obraz je součástí sbírky Muzeum moderního umění v New Yorku.
Naděje II je krásným příkladem Klimt je použití zlatého listu v obrazech a jeho bohatý ornamentální styl. Podívejte se na to, jak namaloval oděv nosený hlavní postavou, jak je to abstrahovaný tvar zdobený kruhy, přesto jej stále „čteme“ jako plášť nebo šaty. Jak dole se prolíná do tří dalších tváří.
Ve své ilustrované biografii Klimta řekl kritik umění Frank Whitford:

Klimt „použil pravé zlaté a stříbrné listy, aby ještě více zvýšil dojem, že obraz je vzácný předmět, nikoli vzdáleně zrcadlo, ve kterém lze zahlédnout přírodu, ale pečlivě zpracovaný artefakt. “ ²

Je to symbolika, která se v dnešní době stále považuje za platnou, vzhledem k tomu, že zlato je stále považováno za cennou komoditu.
Klimt žil ve Vídni v Rakousku a inspiraci čerpal více z východu než ze Západu, z „takových zdrojů jako Byzantské umění, mycenské zámečnické práce, perské koberce a miniatury, mozaiky kostelů v Ravenně a japonština obrazovky. “ ³
Zdroj:
1. Umělci v kontextu: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), zadní obálka.
2. Tamtéž. p82.
3. Hlavní vlastnosti MoMA (Museum of Modern Art, New York, 2004), str. 54

Picassův podpis

Toto je podpis Picasso na jeho malbě z roku 1903 (z jeho Modrého období) s názvem „Absinthe Alkohol“.
Picasso experimentoval s různými zkrácenými verzemi svého jména jako svého malířského podpisu, včetně zakroužkoval iniciály, než nastavil „Pablo Picasso.“ Dnes ho obvykle slyšíme jednoduše „Picasso.“

Jeho celé jméno bylo: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Zdroj:
1. „Sum of Destructions: Picasso's Cultures and the Creation of Cubism,“ Natasha Staller. Yale University Press. Stránka p209.</sub>

„Absinthe Alkohol“ - Picasso

Tento obraz vytvořil Picasso v roce 1903, během jeho Modrého období (doby, kdy Picassovým obrazům dominovaly tóny modré; když mu bylo dvacet). Vystupuje v něm umělec Angel Fernandez de Soto, který byl více nadšený z párty a pití než z jeho malby¹, a který dvakrát sdílel studio s Picassem v Barceloně.
Obraz byl uveden do dražby v červnu 2010 Andrew Lloyd Webber Foundation poté, co bylo v USA dosaženo mimosoudní dohody o vlastnictví, na základě tvrzení potomků německo-židovského bankéře Paula von Mendelssohna-Bartholdyho, že obraz byl pod nátlakem ve 30. letech během nacistického režimu v Německo.

<sub>Zdroj:
1. Aukční dům Christie tisková zpráva„„ Christie's to offer Picasso Masterpiece, “17. března 2010.</sub>

„Tragédie“ - Picasso

Pablo Picasso, The Tragedy, 1903. Olej na dřevě. Velikost 41 (105,3 x 69 cm) 7/16 x 27 3/16 palce. V Národní galerie umění, Washington.

Je to z jeho Modrého období, kdy jeho obrazy byly, jak název napovídá, všechny ovládány blues.

Náčrt Picassa pro jeho slavnou malbu "Guernica"

Při plánování a práci na svém obrovském malířství Guernica provedl Picasso mnoho náčrtů a studií. Na fotografii je jeden z jeho složení skici, která sama o sobě moc nevypadá, sbírka načmáraných čar.

Místo toho, abyste se pokoušeli rozluštit, jaké různé věci mohou být a kde jsou v konečném obraze, považujte to za zkratku Picassa. Jednoduchý známkování pro obrazy, které držel ve své mysli. Zaměřte se na to, jak to používá k rozhodování o tom, kam umístit prvky do malby, na interakci mezi těmito prvky.

„Guernica“ - Picasso

Tento slavný Picassův obraz je obrovský: 3 metry vysoký 6 palců a široký 25 stop 8 palců (3,5 x 7,76 metrů). Picasso ji namaloval na zakázku pro španělský pavilon na světové výstavě v Paříži v roce 1937. Je v Museo Reina Sofia v Madridu ve Španělsku.

„Portrait de Mr Minguell“ - Picasso

Picasso vytvořil tento portrét v roce 1901, když mu bylo 20. Toto téma je katalánský krejčí, pan Minguell, o kterém se předpokládá, že Picassovi byl představen jeho obchodníkem s uměním a přítelem Pedrem Manachem¹. Tento styl ukazuje výcvik, který Picasso absolvoval v tradičním malířství, a to, jak daleko se jeho malířský styl vyvinul během jeho kariéry. To, že je to namalováno na papír, je známkou toho, že se to stalo v době, kdy byl Picasso na mizině, ještě nevydělával dostatek peněz ze svého umění na malování na plátno.

Picasso dal Minguell obraz jako dárek, ale později ho koupil zpět a stále ho měl, když zemřel v roce 1973. Obraz byl položen na plátno a pravděpodobně také obnoven pod Picassovým vedením „někdy před rokem 1969“², když to bylo vyfotografováno pro knihu Christiana Zervose na Picassu.

Až příště budete v jedné z těch hádek na večeři o tom, jak všichni malíři, kteří nerealističtí malují, jen malují abstraktní, kubista, fauvista, impresionista, vyberte si svůj styl, protože neumí vytvářet „skutečné obrazy“, zeptejte se dané osoby, zda do této kategorie (nejvíce to dělá) Picassa, uveďte tento obraz.

_{Zdroj:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Podrobnosti o prodeji impresionismu a moderního umění 22. června 2010. (Zpřístupněno 3. června 2010.)}

„Dora Maar“ nebo „Tête De Femme“ - Picasso

Když byl tento obraz Picassa prodán v aukci v červnu 2008, byl prodán za 7 881 250 GBP (15 509 512 USD). Odhad aukce byl tři až pět milionů liber.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Tento obrovský obraz (téměř osm metrů čtverečních) od Picassa je označován za jeden z nejdůležitějších kusů moderního umění, jaký kdy byl vytvořen, ne-li the nejdůležitější, zásadní malba ve vývoji moderního umění. Obraz zobrazuje pět žen - prostitutky v nevěstinci - ale hodně se debatuje o tom, co to všechno znamená, a o všech odkazech a vlivech v něm.
Umělecký kritik Jonathan Jones¹ říká:

„Picassa na afrických maskách [patrných na tvářích postav vpravo] zasáhlo nejviditelnější věc: že vás maskují, promění vás v něco jiného - zvíře, démona atd Bůh. Modernismus je umění, které nosí masku. Neříká to, co to znamená; není to okno, ale zeď. Picasso si vybral předmět právě proto, že to bylo klišé: chtěl ukázat, že originalita v umění nespočívá v narativu nebo morálce, ale ve formální invenci. Proto je mylné vidět Les Demoiselles d'Avignon jako obraz „o“ nevěstincích, prostitutkách nebo kolonialismu. “

Zdroj:
1. Pablo's Punks Jonathan Jones, Opatrovník, 9. ledna 2007.

„Žena s kytarou“ - Georges Braque

Georges Braque, Žena s kytarou, 1913. Olej a dřevěné uhlí na plátně. 51 1/4 x 28 3/4 palce (130 x 73 cm). V Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paříž.

The Red Studio - Henri Matisse

Tento obraz je ve sbírce Muzeum moderního umění (Moma) v New Yorku. Ukazuje interiér Matisseova malířského studia se zploštělou perspektivou nebo jedinou obrazovou rovinou. Stěny jeho ateliéru nebyly ve skutečnosti červené, byly bílé; pro svůj efekt použil červenou barvu.
V jeho ateliéru jsou vystaveny různé jeho umělecká díla a kousky studiového nábytku. Obrysy nábytku v jeho ateliéru jsou čáry v barvě odhalující barvu ze spodní, žluté a modré vrstvy, které nejsou namalovány na červenou.

1. „Úhlové čáry naznačují hloubku a modrozelené světlo okna zesiluje pocit vnitřního prostoru, ale červená plocha obraz zplošťuje. Matisse tento efekt umocňuje, například vynecháním svislé čáry rohu místnosti. “
- MoMA Highlights, publikoval Moma, 2004, strana 77.

2. „Všechny prvky... potopit jejich individuální identity v tom, co se stalo prodlouženou meditací o umění a životě, prostoru, čase, vnímání a povaze samotné reality... křižovatka pro západní malbu, kde se klasické navenek zaměřené, převážně reprezentační umění minulosti setkalo s provizorním, internalizovaným a sebereferenčním étosem budoucnosti... “
- Hilary Spurling, strana 81.

Tanec - Henri Matisse

Na horní fotografii je Matisseův hotový obraz s názvem Tanec, dokončena v roce 1910 a nyní ve Státním muzeu Ermitáže v ruském Petrohradu. Spodní fotografie ukazuje kompoziční studii plné velikosti, kterou vytvořil pro obraz, nyní v MOMA v New Yorku, USA. Matisse to namaloval na zakázku od ruského sběratele umění Sergeje Ščukina.
Je to obrovský obraz, téměř čtyři metry široký a dva a půl metru vysoký (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), a je malován paletou omezenou na tři barvy: červená, zelená a modrá. Myslím, že je to obraz, který ukazuje, proč má Matisse takovou pověst koloristy, zvláště když srovnáváte studii se závěrečným obrazem s jeho zářícími postavami.
Ve své biografii Matisse (na straně 30) říká Hilary Spurling:

„Ti, kdo viděli první verzi Tanec popsal to jako bledé, jemné, až snové, malované barvami, které byly zvýrazněny... ve druhé verzi na divoký, plochý vlys rumělkových postav vibrujících proti pásmům jasně zelené a oblohy. Současníci viděli obraz jako pohanský a dionýzský. “

Všimněte si zploštělé perspektivy, jak jsou postavy stejné velikosti, spíše než ty, které jsou dále od toho, aby byly menší, jako by se to stalo v perspektivě nebo zkrácení pro reprezentační obrazy. Jak je zakřivena čára mezi modrou a zelenou za čísly, odrážející kruh čísel.

„Povrch byl zbarven do sytosti, až do bodu, kdy byla přesvědčivě přítomna modrá, myšlenka absolutní modré. Jasně zelená pro Zemi a živá rumělka pro těla. S těmito třemi barvami jsem měl svou harmonii světla a také čistotu tónu. “- Matisse

Zdroj:
„Úvod na výstavu Z ruštiny pro učitele a studenty“, Greg Harris, Královská akademie umění, Londýn, 2008.

Slavní malíři: Willem de Kooning

Malíř Willem de Kooning se narodil v nizozemském Rotterdamu dne 24. srpna 1904 a zemřel na Long Islandu v New Yorku dne 19. března 1997. Když mu bylo 12, učil se De Kooning v oboru komerčního umění a zdobení. Osm let navštěvoval večerní kurzy na Rotterdamské akademii výtvarných umění a technik. V roce 1926 emigroval do USA a v roce 1936 začal malovat na plný úvazek.

De Kooningovým malířským stylem byl abstraktní expresionismus. První samostatnou výstavu měl v galerii Charlesa Egana v New Yorku v roce 1948 s dílem v černo-bílé smaltované barvě. (Začal používat smaltovanou barvu, protože si nemohl dovolit umělcovy pigmenty.) V padesátých letech byl uznáván jako jeden z vůdců abstraktního expresionismu, ačkoli někteří puristé stylu si mysleli, že jeho obrazy (jako např jeho Žena zahrnuty příliš mnoho lidské formy.

Jeho obrazy obsahují mnoho vrstev, prvky se překrývaly a skryly, když přepracovával a přepracovával obraz. Změny se mohou zobrazit. K původní kompozici a při malování značně kreslil uhlíky. Jeho rukopis je gestický, expresivní, divoký a s energií za tahy. Pohled na závěrečné obrazy hotový, ale nebyl.

Umělecký výstup De Kooning trval téměř sedm desetiletí a zahrnoval obrazy, sochy, kresby a tisky. Jeho závěrečné obrazy Zdroj na konci 80. let. Jeho nejslavnější obrazy jsou Pink Angels (C. 1945), Vykopávka (1950) a jeho třetí Žena série (1950–1953) provedená malířnějším stylem a improvizujícím přístupem. Ve 40. letech pracoval současně v abstraktních a reprezentačních stylech. Jeho průlom přišel s černo-bílými abstraktními skladbami z let 1948–49. V polovině padesátých let maloval městské abstrakce, v šedesátých letech se vrátil k figuraci a poté v sedmdesátých letech k velkým gestickým abstrakcím. V 80. letech se de Kooning změnil na práci na hladkých površích, zasklení jasnými a průhlednými barvami nad fragmenty gestických kreseb.

Americká gotika - Grant Wood

Americká gotika je pravděpodobně nejslavnější ze všech obrazů, které kdy vytvořil americký umělec Grant Wood. Nyní je v Institutu umění v Chicagu.

V roce 1930 Grant Wood namaloval „americkou gotiku“. Zobrazuje muže a jeho dceru (nikoli jeho manželku)¹) stojící před jejich domem. Grant viděl budovu, která inspirovala obraz v Eldonu v Iowě. Architektonický styl je americká gotika, což je místo, kde obraz získal svůj název. Modely pro obraz byly Woodova sestra a jejich zubař.². Obraz je signován na spodní hraně, na pánských kombinézách, s umělcovým jménem a rokem (Grant Wood 1930).

Co znamená malba? Wood to zamýšlel jako důstojné ztvárnění postavy středozápadních Američanů, ukazující jejich puritánskou etiku. Lze jej však považovat za komentář (satiru) k nesnášenlivosti venkovského obyvatelstva vůči cizincům. Symbolika v obraze zahrnuje těžkou práci (vidle) a domácnost (květináče a zástěru s koloniálním tiskem). Pokud se podíváte pozorně, uvidíte, jak se tři stehy vidle odrážejí v šití na mužských kombinézách a pokračují v pruzích na jeho košili.

^{Zdroj:
Americká gotika, Art Institute of Chicago, vyvoláno 23. března 2011.}

„Kristus sv. Jana z Kříže“ - Salvador Dali

Tento obraz od Salvador dali je ve sbírce Galerie umění a muzeum Kelvingrove ve skotském Glasgow. Poprvé se představilo v galerii 23. června 1952. Obraz byl zakoupen za 8 200 liber, což bylo považováno za vysokou cenu, i když obsahovalo autorská práva, která galerii umožňovala vydělat poplatky za reprodukci (a prodat nespočet pohlednic!).
Bylo neobvyklé, že Dali prodal autorská práva k obrazu, ale potřeboval peníze. (Autorské právo zůstává umělci, pokud není přihlášeno, viz Časté dotazy o autorských právech.)

„Zřejmě ve finančních potížích Dali zpočátku žádal o 12 000 liber, ale po nějakém tvrdém vyjednávání... prodal jej téměř o třetinu méně a v roce 1952 podepsal dopis městu [Glasgow] s postoupením autorských práv.

Název obrazu je odkazem na kresbu, která inspirovala Dalího. Kresba perem a inkoustem byla provedena po vizi, kterou měl svatý Jan od Kříže (španělský karmelitánský mnich, 1542–1591), ve kterém viděl ukřižování Krista, jako by se na něj díval shora. Skladba je pozoruhodná svým neobvyklým pohledem na ukřižování Krista, osvětlení je dramatické a silné stínya velké využití zkrácení na obrázku. Krajina ve spodní části obrazu je přístavem Dalího rodného města Port Lligat ve Španělsku.
Obraz byl kontroverzní v mnoha ohledech: částka, která byla za něj zaplacena; předmět; styl (který vypadal spíše retro než moderně). Přečtěte si více o malbě na webových stránkách galerie.

Zdroj:
"Surrealistický případ obrazů Dali a bitva o uměleckou licenci„od Severina Carrella, Opatrovník, 27. ledna 2009

Campbellovy polévky - Andy Warhol

Detail od Andyho Warhola Campbellovy polévky. Akryl na plátně. 32 obrazů, každý o rozměrech 20 x 16 "(50,8 x 40,6 cm). Ve sbírce Muzeum moderního umění (MoMA) v New Yorku.
Warhol poprvé vystavil svoji sérii Campbellových obrazů na polévkové konzervy v roce 1962, přičemž spodní část každého obrazu spočívala na polici, jako by to byla plechovka v supermarketu. V sérii je 32 obrazů, což je počet odrůd polévky prodávaných v té době společností Campbell.
Pokud jste si představovali, že Warhol zásobuje svou spíž konzervami polévky, pak sní plechovku, jak dokončil malování, zdá se, že ne. Podle webových stránek společnosti Moma Warhol použil seznam produktů od společnosti Campbell's, aby každému obrazu přidělil jinou příchuť.
Na otázku, Warhol řekl:

„Pil jsem to. Měl jsem každý den stejný oběd, myslím, že dvacet let, pořád to samé. “¹

Warhol také zjevně neměl objednávku, kterou by chtěl, aby byly obrazy vystaveny. Moma zobrazuje obrazy „v řadách, které odrážejí chronologické pořadí, ve kterém byly [polévky] představeny, počínaje„ Tomato “v levém horním rohu, které debutovalo v roce 1897.“

Pokud tedy namalujete sérii a chcete, aby byly zobrazeny v určitém pořadí, nezapomeňte si to někde poznamenat. Zadní okraj pláten je pravděpodobně nejlepší, protože se od malby neoddělí (i když je obraz zarámovaný, může se skrýt).
Warhol je umělec, kterého často zmiňují malíři, kteří chtějí dělat odvozená díla. Než uděláte podobné věci, stojí za zmínku dvě věci:

1. Na Web společnosti Momaexistují náznaky licence od společnosti Campbell's Soup Co (tj. licenční smlouva mezi polévkovou společností a majetkem umělce).
2. Zdá se, že vymáhání autorských práv nebylo ve Warholově době problémem. Nedělejte předpoklady o autorských právech na základě Warholova díla. Proveďte průzkum a rozhodněte, jaké jsou vaše obavy ohledně možného případu porušení autorských práv.

Campbell nezadal Warhola k provádění obrazů (ačkoli to následně zadali pro předsedu představenstva v důchodu v roce 1964) a měl obavy, když se značka objevila na Warholových obrazech v roce 1962, a přijala přístup vyčkávání, aby posoudila, jaká byla reakce na obrazy. V letech 2004, 2006 a 2012 prodal Campbell plechovky se speciálními pamětními štítky Warhol.

<sub>Zdroj:
1. Jak je uvedeno na Moma, zpřístupněno 31. srpna 2012.</sub>

Větší stromy poblíž Wartera - David Hockney

Horní: Umělec David Hockney stojící vedle části své olejomalby „Bigger Trees Near Warter“, kterou daroval Tate Britain v dubnu 2008.
Dno: Obraz byl poprvé vystaven na letní výstavě 2007 na Královské akademii v Londýně a zabíral celou zeď.
Olejomalba Davida Hockneyho „Větší stromy poblíž Wartera“ (nazývaná také Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) zobrazuje scénu poblíž Bridlingtonu v Yorkshire. Obraz vyrobený z 50 pláten uspořádaných vedle sebe. Dohromady je celková velikost malby 4,6x12 metrů.
V době, kdy to Hockney namaloval, to byl největší kus, jaký kdy dokončil, i když ne první, který vytvořil pomocí několika pláten.

" Udělal jsem to, protože jsem si uvědomil, že to zvládnu bez žebříku. Při malování musíte být schopni ustoupit. Existují umělci, kteří byli zabiti, když ustoupili z žebříků, že?"
- Hockney citován v a Reuter zpravodajská zpráva, 7. dubna 2008.

Hockney použil kresby a počítač, aby pomohl s kompozicí a malbou. Po dokončení sekce byla pořízena fotografie, aby mohl vidět celý obraz v počítači.

„Nejprve Hockney načrtl mřížku ukazující, jak by scéna do sebe zapadala, na více než 50 panelů. Poté začal pracovat na jednotlivých panelech in situ. Když na nich pracoval, vyfotografovali je a vytvořili z nich počítačovou mozaiku, aby mohl zmapovat svůj pokrok, protože mohl mít na zdi vždy jen šest panelů. ““

Zdroj:
Charlotte Higgins, Strážce umělecký korespondent, Hockney věnoval Tate obrovskou práci, 7. dubna 2008.

Válečné obrazy Henryho Moora

The Výstava Henryho Moora v galerii Tate Britain v Londýně probíhala od 24. února do 8. srpna 2010.

Britský umělec Henry Moore je nejznámější pro své sochy, ale také známý pro svůj inkoust, vosk a akvarelové obrazy lidí ukrytých ve stanicích londýnského metra během druhé světové války. Moore byl oficiální válečný umělec a 2010 Výstava Henryho Moora v galerii Tate Britain je jim věnována místnost. Ve vyobrazení spících postav, které vznikly mezi podzimem 1940 a létem 1941, se schoulilo ve vlaku tunely zachytily pocit úzkosti, který změnil jeho pověst a ovlivnil populární vnímání Blitz. Jeho práce z 50. let odrážela následky války a vyhlídky na další konflikty.
Moore se narodil v Yorkshire a studoval na Leeds School of Art v roce 1919, poté, co sloužil v první světové válce. V roce 1921 získal stipendium na Royal College v Londýně. Později učil na Royal College i na Chelsea School of Art. Od roku 1940 Moore žil v Perry Green v Hertfordshire, nyní domovem Nadace Henryho Moora. Na bienále v Benátkách v roce 1948 získal Moore cenu International Sculpture Award.

„Frank“ - Chuck Close

„Frank“ od Chucka Close, 1969. Akryl na plátně. Velikost 108 x 84 x 3 palce (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). V Minneapolis Institute of Art.

Lucian Freud Autoportrét a fotografický portrét

Umělec Lucian Freud je proslulý svým intenzivním, nemilosrdným pohledem, ale jak ukazuje tento autoportrét, obrací ho na sebe, nejen na své modely.

1. „Myslím, že skvělý portrét má co do činění s... pocit a individualita a intenzita ohledů a zaměření na konkrétní. “ ¹
2. „... musíš se pokusit namalovat jako další osoba. U autoportrétů se „podoba“ stává jinou věcí. Musím dělat to, co cítím, aniž bych byl expresionista. “ ²

<sup>Zdroj:
1. Lucian Freud, citovaný ve Freud at Work str. 32-3. 2. Lucian Freud citoval v Lucian Freud William Feaver (Tate Publishing, London 2002), s. 43.</sup>

„Otec Mony Lisy“ - Man Ray

"Otec Mony Lisy" od Man Raye, 1967. Reprodukce kresby namontované na dřevovláknité desce s přidaným doutníkem. Velikost 18 x 13 5/8 x 2 5/8 palců (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Ve sbírce Hirshorn Museum.
Mnoho lidí si Mana Raye spojuje pouze s fotografií, ale byl také umělcem a malířem. Byl přítelem umělce Marcela Duchampa a spolupracoval s ním.
V květnu 1999 Novinky z umění Časopis zařadil Man Raye na seznam 25 nejvlivnějších umělců 20. století pro jeho fotografii a „průzkumy filmu, malby, sochařství, koláže, asambláže“. Tyto prototypy by se nakonec nazývaly performance performance a conceptual art. “

Art News řekl:

„Man Ray nabídl umělcům ve všech médiích příklad tvůrčí inteligence, která při„ hledání potěšení a svobody “[Man Ray uvádí vodítko principy] odemkl každé dveře, ke kterým přišel, a volně kráčel tam, kde by chtěl. “(Zdroj citace: Art News, květen 1999,„ Svévolný provokatér “od AD Coleman.)

Toto dílo „Otec Mony Lisy“ ukazuje, jak může být relativně jednoduchý nápad efektivní. Těžká část přichází s nápadem na prvním místě; někdy přicházejí jako záblesk inspirace; někdy jako součást brainstormingu nápadů; někdy rozvíjením a prosazováním konceptu nebo myšlenky.

Slavní malíři: Yves Klein

Retrospektivní: Výstava Yves Klein v muzeu Hirshhorn ve Washingtonu, USA, od 20. května 2010 do 12. září 2010.

Umělec Yves Klein je pravděpodobně nejznámější svými monochromatickými uměleckými díly se svou speciální modrou barvou (viz například „Living Paintbrush“). IKB nebo International Klein Blue je ultramarínová modrá, kterou formuloval.

Klein, který si říkal „malíř prostoru“, usiloval o dosažení nehmotné duchovnosti pomocí čisté barvy “a zajímal se o„ současné pojmy konceptuální povahy umění “.¹.

Klein měl relativně krátkou kariéru, méně než deset let. Jeho první veřejnou prací byla kniha umělce Yves Peintures („Yves Paintings“), publikovaná v roce 1954. Jeho první veřejná výstava byla v roce 1955. Zemřel na infarkt v roce 1962 ve věku 34. (Časová osa Kleinova života z Archivy Yves Klein.)

<sub>Zdroj:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, accessed 13 May 2010.</sub>

„Živý štětec“ - Yves Klein

Tento obraz francouzského umělce Yves Klein (1928-1962) je jednou ze sérií, které používal „živé štětce“. Modely nahých žen zakryl svou podpisovou modrou barvou (International Klein Blue, IKB) a poté v uměleckém díle před publikem, které s nimi „malovalo“ na velké listy papíru jejich nasměrováním ústně.
Název „ANT154“ je odvozen od komentáře kritika umění Pierra Restanyho popisujícího obrazy vytvořené jako „antropometrie modré doby“. Klein používal zkratku ANT jako sérii titul.

Černá malba - Ad Reinhardt

„Na barvě je něco špatně, nezodpovědně a bezmyšlenkovitě; něco, co nelze ovládat. Kontrola a racionalita jsou součástí mé morálky. “ - Ad Reinhard v roce 1960 ¹

Tato černobílá malba amerického umělce Ad Reinhardta (1913-1967) je v Muzeu moderního umění (Moma) v New Yorku. Je to 60 x 60 "(152,4 x 152,4 cm), olej na plátně a byl namalován v letech 1960-61. Za poslední desetiletí a kousek svého života (zemřel v roce 1967) použil Reinhardt ve svých obrazech jen černou.
Amy Sia, který pořídil fotografii, říká, že uvaděč poukazuje na to, jak je obraz rozdělen na devět čtverců, z nichž každý má jiný odstín černé.
Nebojte se, pokud to na fotografii nevidíte. Je těžké to vidět, i když jste před obrazem. V ní esej o Reinhardtovi pro Guggenheimovou popisuje Nancy Spectorová Reinhardtova plátna jako „tlumené černé čtverce obsahující stěží rozeznatelné tvary v kříži [které] zpochybňují hranice viditelnosti“ ².
<sup>Zdroj:
1. Barva v umění autor: John Gage, str
2. Reinhardt Nancy Spector, Guggenheimovo muzeum (zpřístupněno 5. srpna 2013)</sup>

John Virtue's London Painting

Britský umělec John Virtue od roku 1978 maloval abstrahované krajiny pouze černobíle. Na DVD produkovaném londýnskou národní galerií Virtue říká, že práce v černé a bílé ho nutí „být vynalézavý... znovu objevit“. Vyvarování se barvy „se prohlubuje můj smysl pro to, jaká barva je... smysl pro to, co vidím... je nejlepší, přesnější a lépe vyjádřený tím, že nemám paletu oleje malovat. Barva by byla slepá ulička. “
Toto je jeden z londýnských obrazů Johna Virtue, který byl vytvořen v době, kdy byl spolupracovníkem umělce v Národní galerii (od roku 2003 do roku 2005). The Web Národní galerie popisuje obrazy Virtue jako „spřízněné s orientálním malířstvím štětcem a americkým abstraktním expresionismem“ a úzce související s „velkou angličtinou“ malíři krajiny, Turner a Constable, které Virtue nesmírně obdivuje “, stejně jako ovlivnění„ nizozemskou a vlámskou krajinou Ruisdaela, Konincka a Rubens “.
Ctnost nedává jeho obrazům názvy, pouze čísla. V rozhovoru v dubnovém čísle 2005 Umělci a ilustrátoři časopis Virtue říká, že svou práci začal chronologicky číslovat již v roce 1978, kdy začal pracovat černobíle:

„Neexistuje žádná hierarchie. Nezáleží na tom, zda je to 28 stop nebo tři palce. Je to neverbální deník mé existence. “

Jeho obrazy se nazývají pouze „Krajina č. 45“ nebo „Krajina č. 630“ atd.

The Art Bin - Michael Landy

Na výstavě se konala výstava Art Bin od umělce Michaela Landyho Galerie jižního Londýna od 29. ledna do 14. března 2010. Koncept je obrovský (600 m³) odpadkový koš zabudovaný do prostoru galerie, ve kterém je umění vyhozeno, „památník kreativního neúspěchu“¹.
Ale ne jen tak nějaké staré umění; museli jste podat žádost, abyste své umění hodili do koše, ať už online nebo v galerii, přičemž Michael Landy nebo některý z jeho zástupců rozhodoval, zda to bude možné zahrnout nebo ne. Pokud byl přijat, byl na jednom konci hozen do koše z věže.

Když jsem byl na výstavě, bylo hodeno několik kusů a osoba, která hází, měla hodně cviku ze způsobu, jakým dokázal nechat jeden obraz klouzat přímo na druhou stranu kontejner.
Výtvarná interpretace směřuje dolů cestou, kdy / proč je umění považováno za dobré (nebo svinstvo), subjektivitu v hodnota přisuzovaná umění, sběru umění, síle sběratelů umění a galerií vytvářet nebo rozbíjet umělce kariéry.

Bylo jistě zajímavé procházet se po stranách a dívat se na to, co bylo vhozeno, co se rozbilo (spousta kusů polystyrenu) a co ne (většina obrazů na plátně byla celá). Někde dole byl velký potisk lebky zdobený sklem od Damiena Hirsta a kousek od Tracey Eminové. Nakonec by to, co by mohlo být, bylo recyklováno (například napínáky papíru a plátna) a zbytek by byl předán na skládku. Pohřben jako smetí, je nepravděpodobné, že by ho vykopal staletí archeolog.

_{Zdroj:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), web South London Gallery, přístup 13. března 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

Tento obraz amerického politika Baracka Obamy, malovaná koláž se smíšenými médii, vytvořil pouliční umělec se sídlem v Los Angeles, Shepard Fairey. Jednalo se o centrální portrétní portrét používaný v Obamově prezidentské volební kampani v roce 2008 a distribuován jako tisk v omezené edici a zdarma ke stažení. Nyní je v National Portrait Gallery ve Washingtonu DC.

1. „Aby vytvořil svůj Obamův plakát (což se mu podařilo za méně než týden), popadl Fairey z internetu zpravodajskou fotografii kandidáta. Hledal Obamu, který vypadal jako prezidentský... Umělec poté zjednodušil čáry a geometrii, přičemž použil červenou, bílou a modrou vlasteneckou paletu (s níž si hraje tím, že bílou béžovou a modrou pastelovým odstínem)... tučná slova ...
2. „Jeho Obamovy plakáty (a spousta jeho komerčních a výtvarných prací) jsou přepracováním technik revoluční propagandisté ​​- jasné barvy, tučné písmo, geometrická jednoduchost, hrdinské pózy. “

Zdroj: ​
„Obamova podpora na zdi“ William Booth, Washington Post 18. května 2008.

„Requiem, bílé růže a motýli“ - Damien Hirst

Britský umělec Damien Hirst je nejznámější svými zvířaty uchovanými ve formaldehydu, ale na počátku 40. let se vrátil k olejomalbě. V říjnu 2009 poprvé v Londýně vystavoval obrazy vytvořené v letech 2006 až 2008. Tento příklad dosud neznámého obrazu slavného umělce pochází z jeho výstava ve Wallace Collection v Londýně s názvem „No Love Lost“. (Termíny: 12. října 2009 až 24. ledna 2010.)
BBC novinky citoval Hirst.

„Nyní maloval pouze ručně“, že dva roky byly jeho „obrazy trapné a já jsem nechtěl kdokoli přijde. “a že„ se musel znovu naučit malovat poprvé, protože byl teenager student."¹

Tisková zpráva doprovázející výstavu Wallace uvedla:

„Modré obrazy svědčí o odvážném novém směru jeho práce; série obrazů, které jsou podle umělcových slov „hluboce spojeny s minulostí“. ““

Vkládání barvy na plátno je pro Hirsta jistě novým směrem a tam, kde Hirst jde, se studenti umění pravděpodobně budou řídit. Olejomalba by se mohla znovu stát trendy.
Průvodce webem About.com po Londýně Travel, Laura Porter, přešla na tiskovou ukázku výstavy Hirst a dostala odpověď na jednu otázku, kterou jsem chtěl vědět: Jaké modré pigmenty používal?

Lauře bylo řečeno, že to bylo „pruská modř pro všechny kromě jednoho z 25 obrazů, který je černý. “Není divu, že je to tak tmavá, doutnající modrá!
Umělecký kritik Adrian Searle z Opatrovník nebyl příliš příznivý na Hirstových obrazech:

„V nejhorším případě vypadá Hirstova kresba jen amatérsky a adolescentně. Jeho rukopis postrádá oomph a panache, díky nimž věříte v malířské lži. Ještě to nemůže odnést. “²

<sub>Zdroj:
1 Hirst „rozdává nakládaná zvířata“, BBC News, 1. října 2009
2. "Obrazy Damiena Hirsta jsou smrtelně matné„Adrian Searle, Strážce, 14. října 2009.</sub>

Slavní umělci: Antony Gormley

Antony Gormley je britský umělec, který je nejznámější svou sochou Anděl severu, odhalenou v roce 1998. Stojí v Tyneside v severovýchodní Anglii na místě, které bylo kdysi dolem, a vítá vás svými 54 metrů širokými křídly.
V červenci 2009 Gormleyho instalační kresba na čtvrtém soklu na Trafalgarském náměstí v Londýně viděla dobrovolníka hodinu stát na podstavci, 24 hodin denně, po dobu 100 dnů. Na rozdíl od ostatních soklů na Trafalgarském náměstí nemá čtvrtý sokl přímo před Národní galerií stálou sochu. Někteří z účastníků byli sami umělci a načrtli své neobvyklé hledisko (fotografie).
Antony Gormley se narodil v roce 1950 v Londýně. Studoval na různých vysokých školách ve Velké Británii a buddhismus v Indii a na Srí Lance. V letech 1977 až 1979 se zaměřil na sochařství na Slade School of Art v Londýně. Jeho první samostatná výstava byla v Galerii umění Whitechapel v roce 1981. V roce 1994 získal Gormley Turnerovu cenu za „Field for the British Isles“.
Jeho životopis na jeho webová stránka říká:

... Antony Gormley oživil lidský obraz v sochařství radikálním zkoumáním těla jako místa paměti a transformace pomocí vlastního těla jako subjektu, nástroje a materiálu. Od roku 1990 rozšířil své znepokojení nad lidským stavem, aby prozkoumal kolektivní tělo a vztah mezi sebou a ostatními ve velkých instalacích ...

Gormley nevytváří typ postavy, kterou dělá, protože nemůže dělat sochy v tradičním stylu. Spíše ho těší rozdílnost a schopnost, kterou nám dávají interpretovat. V rozhovoru s Časy¹, řekl:

„Tradiční sochy nejsou o potenciálu, ale o něčem, co je již hotové. Mají morální autoritu, která je spíše represivní než kolaborativní. Moje díla potvrzují jejich prázdnotu. “

^{Zdroj:
Antony Gormley, muž, který zlomil plíseň, autor John-Paul Flintoff, The Times, 2. března 2008.}

Slavní současní britští malíři

Zleva doprava umělci Bob a Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula RegoMichael Craig-Martin, Maggi HamblingBrian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakea Alison Watt.
Příležitost byla prohlídka obrazu Diana a Actaeon od Tiziana (neviditelný, vlevo) v Národní galerii v Londýně s cílem získat finanční prostředky na nákup obrazu pro galerii.

Slavní umělci: Lee Krasner a Jackson Pollock

Z těchto dvou malířů Jackson Pollock je slavnější než Lee Krasner, ale bez její podpory a propagace jeho uměleckých děl by možná neměl místo na umělecké časové ose, kterou dělá. Oba malovali v abstraktním expresionistickém stylu. Krasnerová bojovala o uznání kritiky sama o sobě, spíše než aby byla považována pouze za Pollockovu manželku. Krasner zanechal dědictví založit Nadace Pollock-Krasner, která poskytuje granty vizuálním umělcům.

Žebřík stojan Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873-1948) byl americký umělec narozený v Paříži známý svými krajinomalbami. Zpočátku trénoval pod svým uměleckým otcem Danielem Ridgwayem Knightem. Poprvé v roce 1894 vystavoval na francouzském salonu a pokračoval v něm po celý svůj život, přičemž si získal uznání i v Americe. Jeho obraz Dosvit koupil v roce 1922 americký prezident Warren Harding pro Bílý dům.
Tato fotka z Archivy amerického umění, bohužel, nám nedává místo, ale musíte si myslet, že každý umělec ochotný brodit se do voda s jeho stojánkem a barvami byla buď velmi oddaná pozorování přírody, nebo docela showman.

1897: Dámská umělecká třída

Tato fotografie z roku 1897 z Archivy amerického umění předvádí dámskou uměleckou třídu s instruktorem Williamem Merrittem Chase. V té době muži a ženy navštěvovali hodiny výtvarné výchovy odděleně, kde ženy měly v té době to štěstí, že vůbec mohly získat umělecké vzdělání.

Art Summer School c.1900

Studenti umění na letních kurzech St Paul School of Fine Arts v Mendotě v Minnesotě byli fotografováni v roce 1900 s učitelem Burtem Harwoodem.
Móda stranou, velké klobouky proti slunci jsou velmi praktické malování venku protože udržuje slunce mimo vaše oči a brání spálení vaší tváře (stejně jako top s dlouhým rukávem).

„Nelsonova loď v láhvi“ - Yinka Shonibar

Někdy je to měřítko uměleckého díla, které mu dává dramatický dopad, mnohem více než předmět. „Nelsonova loď v láhvi“ od Yinky Shonibar je takový kousek.

„Nelsonova loď v láhvi“ od Yinky Shonibar je loď vysoká 2,35 metru uvnitř ještě vyšší láhve. Je to replika vlajkové lodi viceadmirála Nelsona HMS v měřítku 1:29 Vítězství.
„Nelsonova loď v láhvi“ se objevila na čtvrtém soklu na Trafalgarském náměstí v Londýně dne 24. května 2010. Čtvrtý podstavec stál prázdný od roku 1841 do roku 1999, kdy byl první z pokračující řady současných uměleckých děl, který si objednal speciálně pro podstavec Čtvrtá skupina pro uvedení do provozu soklu.
Umělecká díla před „Nelsonovou lodí v láhvi“ byla One & Other od Antonyho Gormleye, ve kterém na podstavci hodinu a nepřetržitě po dobu 100 dní stál jiný člověk.
V letech 2005 až 2007 jste mohli vidět sochu Marca Quinna, Alison Lapperová těhotná, a od listopadu 2007 to byl Model pro hotel 2007 Thomase Schutteho.
Batikované vzory na plachtách „Nelsonovy lodi v láhvi“ byly ručně otisknuty umělcem na plátně, inspirované látkou z Afriky a její historií. Láhev má rozměry 5x2,8 metru, je vyrobena z plexiskla, nikoli ze skla, a její otvor je dostatečně velký, aby mohl vylézt dovnitř a postavit loď.